‘There’s an end’

Words disappear,
Words weren’t so clear,
Only echos passing through the night.

The lines on my face,
Your fingers once traced,
Fading reflection of what was.

Thoughts re-arrange,
Familar now strange,
All my skin is drifting on the wind.

Spring brings the rain,
With winter comes pain,
Every season has an end.

I try to see through the disguise,
But the clouds were there,
Blocking out the sun (the sun).

Thoughts re-arrange,
Familar now strange,
All my skin is drifting on the wind.

Spring brings the rain,
With winter comes pain,
Every season has an end.

There’s an end,
There’s an end,
There’s an end,
There’s an end,
There’s an end.

“Si uno no dejase nunca nada ni a nadie, no tendría espacio para lo nuevo. Sin duda, evolucionar constituye una infidelidad… a los demás, al pasado, a las antiguas opiniones de uno mismo. Tal vez cada día debería contener al menos una infidelidad esencial o una traición necesaria. Se trataría de un acto optimista, esperanzador, que garantizaría la fe en el futuro… una afirmación de que las cosas pueden ser no sólo diferentes, sino mejores”, Hanif Kureishi, Intimidad.

De acompañamiento musical… Guillaume Grand ‘Toi et moi’

1. Empecé con ‘R’ el viernes, dentro de la sección Rellumes. Película dura, de esas que te dejan el culo pegado al asiento y con esa sensación de angustia que se te queda dentro cuando sabes que lo que te están contando es la vida que hay fuera de una sala de cine y dentro de una cárcel. Es decir, jerarquías, palizas, la ley de la calle, el pez grande se come al chico, etc. En este drama carcelario no hay fugas ni estrategias ni piquillas entre el alcaide y el preso díscolo. No sé si el género ha resucitado en los últimos tiempos, pero tanto ‘Un profeta’ como esta ‘R’ están a la altura de las mejores. ‘Celda 211′ me pareció buena en su momento, aunque las comparaciones son odiosas y aquí sale perdiendo.

2. Sesión de las 20.00. Acudo con cierta incertidumbre a ver una de las españolas del festi. ‘Todas las canciones hablan de mí’, de Jonás Trueba. Hasta el momento y si no lo remedia un puñetazo encima de la mesa muy firme, de lo mejorcito de este año en Gijón y del cine patrio en general (se estrena el 10 de diciembre). Sincera, auténtica y aunque con ciertos lugares comunes, muy personal y distinta, porque aquí el que se come el coco en la pantalla es el chico que no puede olvidar a su chica después de seis años de relación. Lo dejan y pese a que el personaje llega a resultar pesado, muy pesado compartiendo sus penas, no llega a asumir la condición de mártir. Y eso está muy bien, porque demuestra que no todo es una cuesta abajo después de una ruptura, y que no sólo se trata de fustigarnos, si no que hay vida más allá. Tiene un toque optimista sobre las relaciones de pareja que me encanta por lo que tiene de excepcional y por lo bien contado que está retratado, creyéndote la película de principio a fin.  Las referencias literarias (Kundera…), musicales (Nacho Vegas) o cinematográficas (Truffaut) enriquecen la película, combinada con ese realismo dibujado sobre el asfalto madrileño a golpe de sentimientos y chascarrillos muy acertados. En el otro lado de la balanza, más allá de la mitad empiezas a pensar que le sobra un poco de metraje, parece que pierde ritmo y fuelle, pero en la última media hora recupera sus virtudes iniciales.

3. Me llamo J.P. ‘I’m still here’ o cómo Joaquín Phoenix baja a los infiernos y decide grabarlo para que lo veamos (putas, heces, insultos, drogas…). Recuerdo cuando salió en el show de Letterman haciendo el ridículo hace ya unos meses. Pensé “a este tío se le ha ido la pinza”. Ahora poco importa. Después de ver la obra filmada por su cuñado Cassey Affleck la verdad es que me da igual, supongo que la valoro como lo que es: CINE. Por su capacidad de desafiar la delgada línea realidad-ficción. Por su interpretación (siendo un montaje) absolutamente monumental, metiéndose en sus propias miserias y representándose a sí mismo. Y porque te la crees, porque es documental genial, arrollador y en el que se confirma que Joaquin Phoenix es uno de los mejores actores actuales. Se retire o no, ‘Two lovers’ o ‘En la cuerda floja’ me lo avanzaron, pero ahora lo sé sin ningún género de duda.

‘Hay una raza de hombres inadaptados,

una raza que no puede estarse quieta;

rompen los corazones de sus parientes y amigos,

mientras vagan por el mundo a su albedrío.

Recorren las llanuras, navegan sin rumbo en los ríos

y escalan las cumbres de las montañas.

Llevan en su interior el sino de la sangre gitana

y nunca aprenden a descansar’.

En el fondo, creo que es una descripción que se ajusta bastante al estado de ánimo que me ronda desde hace un tiempo, seguramente acentuado al escuchar ‘The open road’ de John Hiatt, sobre todo cuando dice eso de ‘The open road where the hopeless come / to see if hope still runs’.

Bunbury brindó un show de luxe

Show: Enrique Bunbury.

Lugar: Estadio cubierto de Juniors.

Fecha: Jueves 29 de Octubre.

Ciudad: Córdoba

Por: Martín Kardaz.

El cantautor español se presentó en Córdoba en el marco de la gira ‘Helville de Luxe Tour’, en la que se encuentra presentando su último trabajo discográfico. A las 21:30 hs se apagaron todas las luces del estadio y las pantallas de ‘leds’, ubicadas una de cada lado de la batería, comenzaron a proyectar un vídeo en el que aparte de gente bailando se podían leer palabras como “relax” y “beautiful”.

De a uno los músicos ocuparon sus lugares y después totalmente vestido de negro y vistiendo un característico sombrero hizo su aparición en escena el ex Héroes del Silencio para despertar la primera ovación de la noche. ‘El club de los imposibles’, en una versión más enérgica que la original, abrió la noche. “Buenas noches cabrones, ustedes tienen un calor del carajo”, dijo el músico, haciendo referencia a los 40º que hicieron ese día.

A pesar del calor de afuera que se potenció en el estadio cubierto de Juniors, el público salto y cantó cada una de las canciones que sonaron, y en la que Bunbury hizo un repaso por varios de sus discos, sin hacer hincapié en ninguno en especial. Las cervezas corrían de boca en boca tratando de disipar un poco la temperatura, que a esa hora era insoportable.

“Esta es una noche para tocar rock, al que no le gusta, esto le va doler”, esa expresión dio paso a ‘Bujías para el dolor’, y la gente le regaló al español la segunda ovación de la noche, confirmando que ellos también fueron a buscar una noche de rock. “No fue bueno, pero fue lo mejor” del disco “El tiempo de las cerezas”, realizado junto a Nacho Vegas también fue parte de la lista.

Después de abandonar el escenario por algunos minutos, Bunbury volvió y el show pasó por diversos momentos en los que hubo algunas baladas y otras reversiones. Desde el comienzo del recital desde el campo salieron cantos y gritos pidiendo por temas de los Héroes, y la banda cumplió con ‘Apuesta por el rock’n roll’, que dio paso a uno de los momentos mas altos de la noche.

Casi sin pausa sonó ‘Lady Blue’ del disco Flamingos en una versión más poderosa, como para no bajar los decibeles de una noche que ya había superado las dos horas de show. También hubo un momento para el brindis, Enrique abrió una botella de vino blanco, y después de llenar dos copas brindó con su guitarrista, todo el hielo de la frapera, que ya era agua terminó derramado sobre el eufórico público, que agradeció tal gesto.

Las luces del escenario se apagaron y todos los músicos abandonaron el mismo. Volvieron, esta vez para cerrar un gran show. ‘La chispa adecuada’, también de su antigua banda, fue la canción elegida para cerrar la presentación. La noche combinó glamour de la mano de la vestimenta del ‘frontman’ con mucho rock que salió desde el escenario y se retroalimentó con el calor del público que deliró con cada canción.

Fuente: http://elmundoentrelasmanosvirtual.blogspot.com

Al margen de los méritos técnicos de Jones, reseñables al tratarse de una pequeña película de un cine independiente que cada vez lo es menos, me gusta ‘Moon’ por esa veraz lectura de prescindible que hace de la humanidad. También porque cumple con la misión con la que su director la ideó, construyendo una obra con un único actor en el que se mantiene la chispa durante la hora y media de metraje, sin tener que espera a un clímax o a un golpe de efecto en los últimos cinco minutos. Pero si debo de aconsejar el visionado de esta pequeña joya es por lo que tiene de auténtica, nada es artificial pese a colocarnos en un futuro aún lejano, como antes lo hiciera Blade Runner. En este caso, Duncan Jones y todo su equipo han vuelto a conseguir la proeza que supone iluminar el ‘denostado firmamento cinematográfico actual, inundado por productos de consumo rápido que tratan al espectador como si se tratara de una palomita o una coca cola, con una gran película nacida desde la humildad, la dificultad y la sencillez. Sin duda, se trata de una de las mejores producciones de este 2009 que se acerca peligrosamente y sin pudor a la época navideña, tan poco aconsejable para el buen cine. Por cierto, aún sigo esperando que a algún iluminado se le ocurra proyectar ‘Los límites del control’, la última de Jim Jarmusch. Como sigamos por este camino de consumo aborregado y estúpido, la apocalíptica y real pesadilla de Sam Rockwell en la Luna va a poder extrapolarse a todos nosotros dentro de poco tiempo. Y si no al tiempo. De momento y a falta de algo mejor (rezen para que llegue a su ciudad ‘Moon’), les dejo con el tráiler.

La magia de Mr. Cohen

«No sé cuándo sucederá esto de nuevo. Así que vamos a darles todo lo que tenemos», con esa fina ironía comenzaba Leonard Cohen su concierto en Madrid el pasado día 12. Allí estábamos nosotros sin ser fans, conociendo la letra de apenas un par de canciones, pero dispuestos a disfrutar del concierto en un recinto abarrotado de seguidores del cantante canadiense. Tuvimos el lujo de ser sus intrusos de última hora. Cuando escuchamos su voz por primera vez, todo cambió… En ese momento, nos convertimos en fieles seguidores de sus letras, de sus acordes y de los incontables versos que fue desgranando durante tres fugaces horas, entre besos y escalofríos de los allí presentes. Para muchos de ellos, aquélla fue la despedida de uno de los mejores cantautores de todos los tiempos; para nosotros, sin embargo, fue la bienvenida, el primer y último encuentro, y nos quedamos con la sensación de una voz profunda que en ocasiones llegaba más lejos todavía, hasta perderse en la intensidad de sus letras. Nos quitamos el sombrero emocional, emulando a este anciano saltarín que nos dejó con la boca abierta y el corazón lleno de poesía. Gracias, mister Cohen; nos vemos en Manhattan o en Berlín… Donde prefiera.
Ignacio Caballero Botica. Madrid

Escuché por vez primera a Cohen a los dieciocho años, hace un tiempo infinito, en casa de un compañero de la Escuela de Periodismo. Le llamábamos Febo y usaba gafitas redondas a lo Lennon, pellejudos chaquetones de mouton, bigotazos y melenas. Vivía todavía con su familia, pero en su habitación, que recuerdo muy grande, volaban pajaritos sueltos. Ahora pienso que debían de ponerle el cuarto perdido, pero entonces me pareció algo maravillosamente hippy y enrollado. En ese cuarto lleno de pájaros, Febo me descubrió a Leonard Cohen. Luego, un par de años más tarde, mi amigo se mató en un estúpido accidente de coche (qué frase tan banal: no creo que haya un accidente inteligente). Fue mi primera muerte cercana, el hito inaugural de ese trituradero que siempre es la vida. La vida va matando literal y metafóricamente todo lo que vas dejando atrás; mata tu infancia y luego a tus mayores; mata los recuerdos y los olvidos; mata lo que fuiste y lo que quisiste ser; mata de verdad, como un rayo furioso, a tu gente querida.

Y también va abriendo nuevas puertas, creando nuevos caminos. Eso también es verdad, aunque a veces no baste.

La cuestión es ver qué hace uno con todo eso. Con el dolor, con la pena, con la frustración. Con las basurillas de la vida. Hay que aprender a equilibrarse y defenderse. Viendo a Cohen, un ser que, a juzgar por su música y sus poemas, es esencialmente triste, me preguntaba cómo habría sobrellevado él el peso de su existencia. Si es cierto lo que dicen, sus estrategias han terminado siendo bastante extremas: el budismo, la opción monacal, la búsqueda de la simplicidad. Una sencillez de la que la vida se encarga de sacarte, con sus pufos de millones de dólares y sus vacías cuentas bancarias. Pero además, hasta llegar a hacerse monje, a Leonard Cohen le han salvado sin duda las palabras. La música. La pintura (también ha pintado). La creatividad, en fin. No conozco casi nada de la biografía de Cohen, pero no se pueden alcanzar los 75 años sin llevar contigo una maletita de dolor. Hoy, este hombre que siempre ha sido tan triste da brinquitos alegres por el escenario. Es un melancólico contento. Todo un logro.

Si uno se fija bien, todo el mundo tiene su truco, su arma secreta contra la desazón. Claro que no todos los trucos son igual de buenos. Algunos, por ejemplo, se decantan por la acumulación de poder. Supongo que el afán de poder es un recurso muy efectivo contra el vértigo existencial, pero lo malo es que el poder nunca es permanente porque no es algo tuyo, sino algo exterior a ti; de modo que, en los altibajos inevitables, la gente que ha optado por este truco vital se pega unos batacazos memorables. Otras personas tienen aficiones secretas, pasiones minuciosas. Recuerdo al protagonista de la magistral novela Mar de fondo, de Patricia Highsmith. El treintañero Vic tiene como hobby la cría de caracoles. Le encantan esos bichos babosos y callados (también le encantaban al gran Darwin, dicho sea de paso), y con el minucioso cuidado de los gasterópodos consigue abstraerse de sus angustias. Hasta que el dolor se hace más grande que su truco, y entonces Vic se convierte en un asesino.

Sin duda asesinar es otra manera de enfrentarse a la pena, sólo que es un método especialmente inútil, especialmente bárbaro. Prefiero los modos del viejo Leonard Cohen, que ha acompañado mi vida con sus baladas tristonas. Y, personalmente, prefiero usar las palabras, como él, como ahora. Como este artículo lleno de frases con las que he conjurado la emoción de un concierto que tal vez me tocó demasiado de cerca.

Así que, con la única compañía en la sala de tres parejas acomodadas unas filas más adelante de la mía, decidí sumergirme mientras que dejaba escapar todo resquicio de prejuicio para enfrentarme a ‘Antichrist’. Apenas unos días después de verla, me considero en la ‘obligación’ de hablar y recomendar esta película. Original, abrumadora y agobiante por lo que tiene de terror psicológico y de delirio, sin duda estamos ante una de los filmes de 2009. No hay que obviar  la crudeza y el impacto visual que pueden provocar en el espectador algunas escenas no recomendables para todos los públicos, como la automutilación a la que se somete Charlotte Gainsbourg. La francesa comparte protagonismo con su marido en la película, Willem Dafoe. El particular descenso a los infiernos y las miserias mentales de los dos intérpretes es inquietante por lo que tiene de personal. Discrepo de aquellos que criticaron en su momento a Von Trier cuando le acusaron de rodar esta película como una maniobra para llamar la atención o simplemente provocar. Pues no. Estamos ante una buena película, no creo que la mejor del realizador danés en su conjunto, aunque a un alto nivel de su filmografía en ciertos aspectos. Uno de ellos es la estética, la textura y en definitivo el rasgo personal y bello que otorga Von Trier a su constelación de imágenes, sobre todo en el prólogo y epílogo del filme. El otro es la capacidad que tiene para que el espectador se adentre en su mente y por ende en la de los protagonistas, y a partir de esa trabajo cada uno saque sus propias conclusiones ante lo que está viendo. Todo ello implementado con un desarrollo que mantiene la tensión, a veces con mayor acierto y a veces cno menos, durante el desafío cinematográfico que es ‘Antichrist’, incapaz de dejar indiferente por lo que tiene de ‘rara avis’.